Abigail Reyes

Artist Abigail Reyes uses elements from language, including text and poetry, to explore ideas of the Salvadoran context as well as her own experiences.

In the series “Planas”, explores the processes in place to educate secretaries, a profession almost exclusively associated to women, and which Reyes formerly studied and practiced.  

The work "Plana" consists of paper sheets carefully joined with embroidery.  The combined sheets create long ribbons which are suspended in the air, with each sheet being filled with letters echoing the exercises used to teach typewriting, a skill required to work as a secretary.  The text emphasizes mechanical repetition and delicacy, associated with discipline and efficiency, qualities Reyes views as required for the secretarial profession. 

In “Popular Poetry”, Reyes extracts phrases from day-to-day conversations which she then paints on walls, often in public spaces.  By isolating the phrase and separating it from its usual verbal context, Reyes presents the possibility of exploring the meaning of the words and their different connotations.  In the piece “Una nunca sabe” (One never knows) Reyes utilizes a common phrase used to refer to the uncertainty of the future, which she then places boldly and semi-permanently, on a wall. 

Working with the female perspective, Abigail Reyes alludes to the way social and political circumstances can influence a person's feelings of insecurity and uneasiness.

See more of Abigail Reyes work here.

Images (top): Abigail Reyes, "Plana" detail, typewritten rice paper. 2014.
(middle): Abigail Reyes, "Plana", typewritten rice paper. 2014.
(bottom): Abigail Reyes, "Una Nunca Sabe", mural. 2018

EDDIE APARICIO

Of Salvadoran descent, artist Eddie Rodolfo Aparicio lives and works in Los Angeles, California. In 2014 he began a series of work titled “Caucho” (Rubber).  Questioning concepts of what constitutes “native” and “foreign,” the works consist of large format casts made of natural rubber, a product originated from trees endemic to Central and South America.  However, the casts capture the trunk texture, carvings, and residue of other non-native trees, many of which are located in communities that consist of predominantly Latinx immigrant families. Cast together, and representing both resident and non-resident flora, Aparicio highlights that the trees, and consequently the people living within regions of the USA, constitute equally essential parts.

Through his careful selection of materials for their origin and contexts, Aparicio highlights the movement and settlement of plant-life to draw an analogy to migration, questioning what constitutes community, deep-rootedness and acceptance. Ever-relevant within the present political and social context, Aparacio’s work acknowledges the integral presence of Latinx communities in the USA.

See more of Eddie Aparicio's work here.

Images (top): Eddie Aparicio “El Roble Que Estaba Aquí Antes Que Tú” (The Oak That Was Here Before You). Rubber, Sulfur, Tree Residue, Paint Residue, and Resin on Cotton. 2017. Courtesy the artist.
(Below) Eddie Aparicio“Huelemos como tú” (We smell like you). Rubber, Sulfur, Tree Residue, Paint Residue, Pine Gum, and Latex Paint on Found Cloths. 2018. Courtesy the artist.

De origen salvadoreño, el artista Eddie Rodolfo Aparicio vive y trabaja en Los Ángeles, California. En 2014 comenzó una serie de trabajos titulados “Caucho”.  Al cuestionar los conceptos de lo que constituye "nativo" y "extranjero", las obras consisten en moldes de gran formato hechos de caucho natural, un producto originado en árboles endémicos de América Central y del Sur. Sin embargo, los moldes capturan la textura del tronco, las tallas y los residuos de otros árboles no nativos, muchos de los cuales están ubicados en comunidades que consisten predominantemente de familias inmigrantes latinas. Juntos, y representando la flora tanto residente como no residente, Aparicio destaca que los árboles, y en consecuencia las personas que viven en regiones de los Estados Unidos, constituyen partes igualmente esenciales.

Lucy tomasino

Lucy Tomasino is a multidisciplinary artist from El Salvador.  Her practice originated from photography and later developed to a variety of  mediums. In the piece “Subjuntivos”, Tomasino utilizes part of a saxophone that belonged to her father, and which he destroyed.

Audio recordings from Narcotics Anonymous meetings in El Salvador, digitally transformed to musical notes so that they are unrecognizable, play from the instrument. Representing a process of catharsis and healing through an instrument that was once destroyed and now reconstructed to produce sounds.

In the piece “Síntoma”, Tomasino presents a lightbox activated by the spectator’s action of breathing into it.  The artist addresses breathing as a manifestation of life, as the piece only exist with this action.  The title alludes to suffering and pain, while it presents the human being as a medium of relief.

See more of Lucy Tomasino's work here. 

Images: Lucy Tomasino. “Subjuntivos” (subjunctive).  Saxophone, speaker.  2016. Photo by Caroline Lacey.
Lucy Tomasino. “Síntoma” (Symptom).  Lightbox activated by breathing.  2018.  Photo by Andrea Gómez.

Lucy Tomasino es una artista multidisciplinaria de El Salvador. Su práctica se originó a partir de la fotografía y luego se desarrolló a una variedad de medios. En la pieza "Subjuntivos", Tomasino utiliza parte de un saxofón que perteneció a su padre, y que destruyó.

Grabaciones de audio de reuniones de Narcóticos Anónimos en El Salvador, digitalmente transformadas en notas musicales para que sean irreconocibles, suenan desde el instrumento. Representa un proceso de catarsis y curación a través de un instrumento que una vez fue destruido y ahora reconstruido para producir sonidos.

En la pieza "Síntoma", Tomasino presenta una caja de luz activada por la acción del espectador de respirar en ella. El artista aborda la respiración como una manifestación de la vida, ya que la pieza solo existe con esta acción. El título alude al sufrimiento y al dolor, mientras que presenta al ser humano como un medio de alivio.

Vea más sobre el trabajo de Lucy Tomasino aquí.

EDUARDO CRESPÍN

Eduardo Crespín is a Salvadoran art professional based in Buenos Aires, Argentina.  His artwork originates from his own interpersonal relationships, focusing specifically on the tensions present within them. Although personal, his work simultaneously evokes situations from everyday life creating scenarios that are equally relatable.  

A work titled “El intento por mantener tu recuerdo” (The attempt to maintain your memory) is composed of two photographs. The first photograph is of an ice block with the word “madre” (mother) written on it.  The second photograph shows the ice block partially melted to the point where the word has vanished.

A mother is generally considered an important character in most peoples' lives, and her memory is expected to be solid and stable. Crespin instead depicts an attempt to maintain the memory of "mother" useless.

In the work “Olvidé que te estaba esperando” (I forgot I was waiting for you), Crespin depicts two shoes, which have stopped in the middle of a step. The gesture of moving forward has been frozen, and in this way it has also grown and been prolonged. The shoes are covered by a herb reminiscent of moss. This moss suggests that the shoes have somehow been abandoned and forgotten. The work explores the tension between moving forward and remaining, forgetting and remembering, and waiting....

Images:  Eduardo Crespín, “El intento por mantener tu recuerdo” (The attempt to maintain your memory), 2016. Photographs.
Eduardo Crespín, “Olvidé que te estaba esperando” (I forgot I was waiting for you), 2016. Shoes, wood, herb. Courtesy the artist.

Eduardo Crespín es un profesional del arte salvadoreño radicado en Buenos Aires, Argentina. Su obra de arte se origina en sus propias relaciones interpersonales, centrándose específicamente en las tensiones presentes dentro de ellas. Aunque es personal, su trabajo evoca situaciones de la vida cotidiana creando escenarios que son igualmente identificables.

Una obra titulada "El intento de mantener tu recuerdo" está compuesta de dos fotografías. La primera fotografía es de un bloque de hielo con la palabra "madre" escrita en él. La segunda fotografía muestra el bloque de hielo parcialmente derretido hasta el punto donde la palabra se ha desvanecido.

Generalmente se considera que una madre es un personaje importante en la vida de la mayoría de las personas, y se espera que su memoria sea sólida y estable. En cambio, Crespín representa como inútil un intento de mantener el recuerdo de "madre".

En el trabajo "Olvidé que te estaba esperando",  Crespín muestra dos zapatos, que se han detenido en medio de un paso. El gesto de avanzar ha sido congelado, y de esta manera también ha crecido y se ha prolongado. Los zapatos están cubiertos por una hierba que recuerda al musgo. Este musgo sugiere que los zapatos de alguna manera han sido abandonados y olvidados. El trabajo explora la tensión entre avanzar y permanecer, olvidar y recordar, y esperar...

Imagenes:  Eduardo Crespín, “El intento por mantener tu recuerdo” 2016. Fotografías.
Eduardo Crespín, “Olvidé que te estaba esperando” 2016. Zapatos, madera, hierba. Cortesía del artista.

Dalia chévez

Dalia Chévez is a Salvadoran art professional whose practice is connected to working and creating collectively.  She was a member of the art collectives Artefacto (2006-2008) and Artificio (2008-2009), and conducted various pedagogical art projects at the University of El Salvador, among other venues. 

Her interest for collective creation is evident in her artwork, which is influenced by ideas within relational aesthetics.  This can be seen in the emphasis she places on the audience experience.  Specifically she seeks to evoke spontaneous reactions from the viewer that stimulate active thinking and generate ideas.  She avoids passive contemplation. 

In fact, participation of the viewer is essential to her work, and the search for ways to evoke reactions determines Chevez’s creative process. She does this by combining and manipulating ordinary everyday objects to create sculptures and installations. The objects are presented in an unusual manner and become decontextualized, provoking an alternative perception of the objects regular use and function.   

In her recent work “Es complicado (It is complicated)” Chevez combines several elements related to rituality and spirituality.  She uses objects such as candles, cigars, nails, flowers and soil, which are common in popular religious practices in El Salvador.  Other elements such as a sewn heart, as well as the artwork title, suggest sentimentality.  The union of these elements recalls an altar, however the way in which these various objects interact together generates ideas beyond the usual concept of an altar, religion or love. It is more complicated. 

Images: Dalia Chévez, Es complicado (It is complicated), 2018. Installation with paper, hypoallergenic fiber, paperboard, candles, cigars, flowers, thorns, needles, onions, nails, threads and soil. Courtesy the artist.

Dalia Chévez es una salvadoreña profesional de las artes, cuya práctica está estrechamente vinculada al trabajo y la creación colectiva.  Ella formó parte de los colectivos artísticos Artefacto (2006-2008) y Artificio (2008-2009), y ha desarrollado varios proyectos artísticos pedagógicos en la Universidad de El Salvador, así como en otros espacios.

Su interés por la creación colectiva es evidente en su obra, la cual está influenciada por ideas de la estética relacional.  Esto es especialmente notorio en el énfasis que ella da a la experiencia del espectador.  Específicamente ella busca inducir reacciones espontáneas en el público que estimulen el pensamiento activo y generen ideas.  

CAROLINE LACEY

Caroline Lacey is a photographer and an art professional from the United States currently working in El Salvador. In her photographs she presents a particular point of view of individuals, spaces and situations in everyday life.

 “Queen of the Most Violent Country in the World” is an ongoing project she began in 2017.  Since then, Lacey has accompanied NadiA—a transvestite from San Salvador—through daily life.  Utilizing a journalist approach, combined with an aesthetic interest, Lacey introduces the spectator to the life of NadiA.  Her work presents and narrates moments that describe how the life of a person part of the LGBTQIA community in El Salvador is lived. 

Caroline Lacey’s practice highlights the way Salvadoran social structures affect the LGBTQIA community, however does not adhere to the limitations of pessimism. Instead, Lacey emphasizes how people like NadiA embrace their identity despite implied difficulties.

See more of "Queen of the Most Violent Country in the World".

See more of Caroline Lacey's work here. 

* LGBTQIA: Lesbian, Gay, Bisexual, Transgender, Queer, Intersex, Asexual. 

Images: Caroline Lacey, Queen of the Most Violent Country in the World (extracts).  Photographs and text.  2017-ongoing. Courtesy the artist. 

Caroline Lacey es una profesional de las artes y fotógrafa originaria de los Estados Unidos, que actualmente trabaja en El Salvador.  A través de sus fotografías, ella presenta desde una perspectiva muy particular individuos, espacios y situaciones de la vida cotidiana.

Uno de sus proyectos actuales es “Reina del País más Violento del Mundo”.  El proyecto inició en 2017 y continúa en marcha. Dese entonces, Lacey ha acompañado a NadiA – un travestí de San Salvador- en su vida diaria.  Desde una aproximación periodística, pero con un interés estético, Lacey introduce al espectador a la vida de NadiA.  La pieza presenta y narra momentos específicos que describen cómo es la vida de una persona parte de la comunidad LGBTQIA en El Salvador.

La pieza pone de manifiesto cómo las estructuras sociales presentes en El Salvador afectan a la comunidad LGBTQIA.  Sin embargo no se limita a presentar un cuadro pesimista. Más bien enfatiza cómo personas como NadiA acogen su identidad a pesar de las dificultades que esto representa. 

Ver mas del “Reina del País más Violento del Mundo”.
Vea más sobre el trabajo de Caroline Lacey aquí.

* LGBTQIA: Lesbian, Gay, Bisexual, Transgender, Queer, Intersex, Asexual. 

Imágenes: Caroline Lacey, “Reina del País más Violento del Mundo” (extractos). Fotografías y texto. 2017-en curso. Courtesia del artista. 

Melissa Guevara

In her work Salvadoran artist Melissa Guevara addresses human nature from both a metaphysical and existentialist point of view.  She conceives a human being as a union of mind and body. Her work examines this dual nature of being, between the material and the intangible. 

In her artwork “I am still Alive”, Guevara appropriates a phrase from renowned artist On Kawara tattooing it on the back of her neck.

Her skin becomes an acknowledgment of her existence, yet is ironically a relatively ephemeral support for her body, therefore emphasizing the finite nature of life. It is important that only others can see the phrase, and that she recognizes her self-existence by interacting with others.

In the Relics series, Guevara positions the relic as an object of spiritual value.  To create the work “Inflection point” she transforms human bone in to a relic by applying a “golden” process.  These bones are acquired at street markets and informally and come from anonymous people.  Through the process of making their bones significant and preciousness, these nameless individuals are able to transcend their remains. 

See more of Melissa Guevara's work here. 

Images: Melissa Guevara, “I am still alive” 2013/2015, tattoo and photographic register; and “Inflection point” 2014, from the series Relics. Golden cervical vertebrae"/"Vértebra cervical dorada. 

Melissa Guevara es una artista salvadoreña cuya obra aborda la naturaleza humana desde un punto de vista metafísico y existencialista.  Ella concibe al ser humano como unión de la mente y cuerpo.  En su trabajo ella reflexiona sobre este aspecto dual del ser humano, entre lo material y lo intangible.

En la pieza “I am still alive” (Todavía estoy viva), Guevara se apropia de la frase del artista On Kawara.  La frase está presente como un tatuaje en la parte posterior del cuello de la artista. 

Vladimir Renderos is an artist whose work activates Salvadoran context and history by using a variety of symbols and references ranging from ammunition to Catholicism to urban culture.  
 
Representations of weapons and ammunition
can be found in many of his artworks. These make reference to violence, and can be linked either to the Salvadoran civil war or to the highly violent environment of the present time.  

Additionally, he appropriates imagery drawn from Catholicism.  By merging both elements, 
Renderos presents two situations that might seem contradictory: the predominance in society of a religion with certain humanist principles and the existence of a violent environment and history. 

By combining these references, he makes visible contradictions in Salvadoran social morality, in order to promote critical thinking. In the piece Hija de puto*, the artist presents a contrast between the feminine role depicted in Catholicism and in a society dominated by male chauvinism, with the attitude of a female character that directly contradicts these stereotypes. *Hija de puto is a play on the saying “Son of a bitch” which by inversing the spanish gender of the words directly translates to “Daughter of a (male) bitch.” 
Click here to see more of Vladimir’s work.

Images: Vladimir Renderos, Hija de puto, 2018, acrylic on canvas; La unidad dentro de la pluralidad,2016, installation of clay bullets (detail).

Vladimir Renderos es un artista cuya obra activa el contexto y la historia de El Salvador utilizando una variedad de símbolos y referencias que van desde la munición hasta el catolicismo y la cultura urbana.
 
Representaciones de armas y municiones se pueden encontrar en muchas de sus obras de arte. Estos hacen referencia a la violencia y se pueden vincular a la guerra civil salvadoreña o al entorno altamente violento de la actualidad.

Además, se apropia de las imágenes del catolicismo. Al fusionar ambos elementos,
Renderos presenta dos situaciones que pueden parecer contradictorias: el predominio en la sociedad de una religión con ciertos principios humanistas y la existencia de un entorno e historia violenta.

Click here to view Patricio Majano's interview with NadiA.

Click aquí para ver la entrevista de Patricio Majano con NadiA.

Kevin Baltazar is a Salvadoran artist whose work focuses on the relationship between human beings and their environment.  During an arts residency at Cartes-Univasf in Bahia Brazil, he brought his performative practice of wrapping human subjects to Ilha do Fogo (Island of Fire), expanding his ongoing series Inhabitant Zero. 

Here, he married the context of the surrounding island with techniques developed in previous work made in El Salvador.  Baltazar created three more series of work during this residency, seen on the left works from Ataduras Anonimas (Faceless), Disidencias (Dissidences), andTradiciones Disidentes (Dissenting Tradition). 

Ataduras Anonimas is a series of photographs from performances where local residents are bound to the urban landscape using plastic thread to cover their faces and hide their identity.  At the same time, the thread ties them to their environment, making visible the link between individuals and surroundings that in many ways determines their identity.

Images: Kevin Baltazar, “Ataduras Anonimas (Faceless),” photograph of performance, 2017; “Disidencias,” installation, 2017; “Tradiciones Disidentes,” installation, 2017. Presented at Centro Cultural João Gilberto. Courtesy the artist. 

Kevin Baltazar es un artista salvadoreño cuyo trabajo se centra en la relación entre los seres humanos y su entorno. Durante una residencia artística en Cartes-Univasf en Bahía Brasil, trajo su práctica de envolver sujetos humanos a Ilha do Fogo (Isla de Fuego), ampliando su serie en curso Habitante cero.

Aquí, se fusiono con el contexto que rodea la isla con técnicas desarrolladas en trabajos anteriores realizados en El Salvador. Baltazar creó tres series más de trabajo durante esta residencia, visto en las obras a la izquierda de Ataduras Anónimas (Sin rostro), Disidencias y Tradiciones Disidentes.

Ataduras Anónimas es una serie de fotografías en las cuales  los residentes locales se unen al paisaje urbano con hilos de plástico para cubrir sus rostros y ocultar su identidad. Al mismo tiempo, el hilo los vincula a su entorno, haciendo visible el vínculo entre los individuos y el entorno que de muchas maneras determina su identidad.

Imágenes: Kevin Baltazar, “Ataduras Anonimas (Faceless),” fotografía del performance, 2017; “Disidencias,” instalación, 2017; “Tradiciones Disidentes,” instalación, 2017. Presentándose en el  Centro Cultural João Gilberto. Cortesía del artista.

Orlando Villatoro combines practices perceived as traditional practices, such as painting and ceramic, with new media. His works address topics related to Salvadoran culture, identity and the sociopolitical context. His work “Autorretrato” combines elements that represent part of his identity and personal history, while simultaneously making visible the syncretism between the historical Mesoamerican culture and cyberculture.

In the piece “Acupuntura 1”, a QR code build from needles redirects to a map of the historical center of San Salvador.  Here he creates a relationship between acupuncture -as a practice use for relief- and a conflictive zone in San Salvador.

See more of Orlando Villatoro's work here. 

Orlando Villatoro es un artista cuya producción combina prácticas tradicionales (como la pintura y cerámica) con arte de nuevos medios.  En su obra aborda temas relacionados a la cultura, identidad, y el contexto sociopolítico de El Salvador. En la pieza “Autorretrato”, utiliza elementos que representan parte de su identidad e historia personal, haciendo visible al mismo tiempo el sincretismo entre la cultura histórica mesoamericana y la cybercultura.  

En la pieza “Acupuntura 1” un código QR formado por alfileres redirige a un mapa del centro histórico de San Salvador.  De esta forma crea una relación entre la acupuntura –como una práctica para aliviar- con una de las zonas conflictivas de San Salvador.
 
Ver más del trabajo de Orlando Villatoro aqui.

Gabriela Novoa is a multidisciplinary artist.  Her artwork addresses both the physical and psychological aspects of human sexuality. She considers her practice an instrument through which to normalize sexuality, in order to promote more rational thinking about the topic.  For instance, in “Geografía Contenida” she offers edible sculptures reminiscent of body parts to the public to eat, toying with preconceived ideas of the objectified body within consumer culture.

In her current production, Novoa explores the human body beyond the physical realm, addressing it as a place where not only physical processes occur, but also where emotional links are created and broken.  In her short film “Pulsion”, she makes the distinctions between the physical and emotional visible through metaphorical images that depict states of transformation by showing the human body alongside ephemeral elements.

 See more of Gabriela's work: www.gabrielanovoa.com

Images: Gabriela Novoa “Geografía contenida” (detail), 2016.  Interactive installation of edible sculptures of vaginas, penises, anuses, nipples and tongues. Photograph by Ricardo Flores. 
Gabriela Novoa, “Abrazar lo inevitable” Pulsion short film, 2017.  Video installation.

Gabriela Novoa es una artista multidisciplinaria cuyas obras se centran en la sexualidad del ser humano, tanto en el aspecto físico como el psicológico.  Ella concibe parte de su práctica artística como un medio para normalizar lo sexual con el fin de promover un pensamiento más racional con respecto a este  tema.  Por ejemplo, en “Geografía contenida” ella ofrece esculturas comestibles al público aludiendo a la cosificación del cuerpo en la cultura de consumo.

En su más reciente producción Novoa explora al cuerpo humano más allá de lo físico, abordándolo como el espacio en el cuál tienen lugar procesos psíquicos, donde se crean y rompen vínculos emocionales.  En su cortometraje “Pulsión”, ella hace perceptibles estos cambios mediante imágenes metafóricas, representando un estado de transformación del ser al mostrar el cuerpo humano junto con elementos efímeros.

Ver la obra de Gabriela: www.gabrielanovoa.com

Imágenes: Gabriela Novoa, “Geografía contenida” (detalle), 2016.   Instalación interactiva de esculturas comestibles de vaginas, penes, anos, pezones y lenguas. Fotografía por Ricardo Flores.
Gabriela Novoa, “Abrazar lo inevitable” cortometraje Pulsión, 2017.  Video instalación.

Click here to view Patricio Majano's interview with Tiernity (Natalia Dominguez).

Gerardo Gómez has created an extensive body of paintings and drawings that represent scenes of everyday life.  His pieces are characterized by the use of vibrant colors and a spontaneous stroke.  His compositions are detailed, usually containing numerous perspectives.  With a distinct aesthetic, Gómez presents distorted views of reality, capturing and accentuating its essence. 

His pieces often focus on topics of social, political and economic wellbeing by describing El Salvador’s context and common lifestyle.  By highlighting these issues, Gómez intends to promote critical thinking and express his own concerns about his environment. View more of Gerardo Gómez's work here. 

Images: Gerardo Gómez, “Sitting at the edge of my bed," 2017 and “Street and people," 2017.  Acrylic on canvas.

Gerardo Gómez ha creado un extenso cuerpo de pinturas y dibujos que representan escenas de la vida cotidiana. Sus piezas se caracterizan por el uso de colores vibrantes y un trazo espontáneo. Sus composiciones son detalladas, por lo general contienen numerosas perspectivas. Con una estética distinta, Gómez presenta visiones distorsionadas de la realidad, capturando y acentuando su esencia.

Sus obras suelen centrarse en temas de bienestar social, político y económico al describir el contexto de El Salvador y su estilo de vida común. Al destacar estas cuestiones, Gómez pretende promover el pensamiento crítico y expresar sus propias preocupaciones sobre su entorno. Más sobre la obra de Gerardo Gómez aqui.
 

Alejandra Paz is an artist who employs a wide variety of creative mediums to explore the psychological nature of the human being.  Her work develops from interpersonal and intrapersonal experiences common in everyday life. Her works are therefore relatable to other people’s experiences and able to generate empathy. In this way her works evoke memories, emotions and ideas in their viewers.

For example, her piece “Anatomía de una lágrima: verdad II” is a photograph of crystalized tears that reveal an intimate moment of catharsis. 

In another piece, “Desolación”, a sinking figure evokes the inner sensation (mental and emotional) of coming apart.
 

Images:
Alejandra Paz, Desolación (Desolation), 2015.  Ink on paper.
Alejandra Paz, Anatomía de una lágrima: verdad II (A tear’s anatomy: truth II), 2016.  Photograph.

Alejandra Paz es una artista que explora en una gran variedad de técnicas la naturaleza psicológica del ser humano.  Su trabajo parte de experiencias interpersonales e intrapersonales comunes en la vida cotidiana.  Por lo tanto tienen la posibilidad de relacionarse fácilmente con las experiencias propias de otras personas y así generar empatía.  En consecuencia, el resultado son piezas que evocan memorias, emociones e ideas al espectador.

Por ejemplo, su pieza “Anatomía de una lágrima: verdad II” es una fotografía de lágrimas cristalizadas que revela un momento íntimo de catarsis a otros.

En otra pieza, “Desolación”, una figura sumergiéndose evoca la sensación interior (mental y emocional) de desintegración.
 
Imágenes:
Alejandra Paz, Desolación, 2015. Tinta sobre papel.
Alejandra Paz, Anatomía de una lágrima: verdad II, 2016. Fotografía.